如何欣赏国画？ 如何欣赏中国画？

　　艺术欣赏也是一种创造力 　　我国古代文论名著《文心雕龙》中说：“夫唯深识鉴奥，必欢然内怿；譬春台之熙众人，乐饵之止过客”。意思是说，能够深刻感受和领会文艺作品妙处的人，在欣赏杰作的时候，必然能够获得内心的喜悦、精神上的享受，好像春天里登台观景令人心情舒畅，又像动人的音乐和美味能够留住过客。的确，对于文艺的爱好，有时可以达到迷恋的状态。孔夫子在齐国听了韶乐，不是“三月不知肉味”吗?如果你经常出入美术展览会的话，就会看到在美术展览的大厅里，热情的观众川流不息。有些伫立画前久久不动；有些虽然匆匆而过，但可以感觉到他们每看到一件值得欣赏的作品，便在精神上有一种兴奋满足感，有时竟然禁不住会心地喜形于色。有些掏出速写本临摹大意，记取细节；有些转来转去一看再看，真是一步一回头地留连忘返。马克思也讲过，审美的精神感觉，不同于‘‘被粗糙的实践的需要所支配的感觉。”他又说：“如果音乐很好而听者又懂得音乐，那么音乐的消费会比香槟酒的消费更为高尚”。可见，文艺的欣赏，是人类高尚的精神活动。 　　如果文艺创作是精神生产的话，文艺的欣赏则属于精神的消费。只有这两个方面的结合才算是文艺活动的全部。作者和欣赏者通过作品为媒介，沟通、交流、传达、接受、拓展、反馈，发挥着社会效用，同时也在互相促进中提高发展。 　　亦如物质消费也有许多学问一样，艺术的消费也有一个是否善于享用的问题。这就牵涉到主观审美感知能力的问题。比如同样去听音乐会上交响乐的演奏，有人能够领会美妙的旋律、节奏、多层次的结构等等，并且还能够理解作品的情绪、风格和丰富多彩的内涵。在接受作品的艺术美和思想性的同时，也拍动想象的翅膀，得到新的启发，获得巨大的美感享受。而另一个人，听着同样的音乐，竭尽努力迫使自己理解，还是莫明其妙。或许有人感到简直索然无味，只好抽身退场。美术作品的特点是可见的、直观的、形象的，比之文学、音乐等等似乎更加大众化、通俗化，但也有个能否理解的问题。众口交赞的作品，我们在观赏之后，或许有摸不着头脑的空虚感。一个展览会与另一个展览会，专家们对风格流派、新意、形式美、倾向等等，可能争论得难解难分，而一个外行却看不出彼此有何不同。我曾听说一位企业的领导者，在给宣传部门下达节日装饰的指示时，提出的要求是“花里胡哨”。这说明，作为文化素养一部分的审美能力，人与人之间是有差距的。接触了艺术作品，并不能够欣赏。艺术欣赏是需要一定修养的。还是马克思说得好：“对于不辨音律的耳朵说来，最美的音乐也毫无意义，音乐对它说来不是对象，……因为对我说来任何一个对象的意义(它只是对那个与它相适应的感觉说来才有意义)都以我的感觉所能感知的程度为限”。这也就是说，艺术修养高的人，能够在杰出作品的欣赏中感知更多的东西，司以获得更高的艺术享受。否则，最美的艺术作品，对他来讲也是毫无意义，如同子虚乌有。刘勰在《知音》篇一开头就发出“知音其难哉!”的感叹，不是没有道理的。 　　有一则故事，说唐代大画家阎立本初见南朝名画家张僧繇的画迹，觉得不过“虚得其名”，可是再去看时，发现不愧是“近代佳手”，待第三次仔细看时才悟到张僧繇绘画艺术的真正高妙之处。于是“留恋十日不能去”，“坐卧观之”朝夕揣摩。这说明识画与相马、识人的道理相通，其优劣并不是一望而知的(当然也不排斥有一见钟情的另外一种情况)。那么，应当怎样欣赏艺术，或者说，怎样培养欣赏美术作品的兴趣和智能呢? 　　任何一个认识(审美，也应该包含在人类广义的认识之中)，都是在多次反复中获得的。艺术欣赏能力的提高要靠长期的积累，多多接触艺术品。毛泽东同志曾经说过：你要知道梨子的滋味，你就得变革梨子，亲口吃一吃。这话很对，所以也有人主张亲自参加艺术创作实践，大有助于领会个中三昧。倒不妨试一试。对于艺术，不要看得太简单，也木必望而生畏。实际上，把文艺视为“诗赋小道，壮夫不为”者有之；深知“文章千古事”的道理者可能更多。我们不要做无师自通的狂夫，也不要相信只有天才方能问津艺术的迷信。 　　古人讲“操千曲而后晓声，观干剑而后识器”，见多识广，自然由外行变为内行，能够深识真谛。要达到这个见多识广，就要“博观”。对于有志于中国画者，博观，应当有这样几个层次，首先，你要欣赏中国画，．自然你当多看中国画作品；你即使只喜欢写意山水画，你也不妨看看人物、花卉、工笔重彩等等。其次，不要囿于这一个画种，也要看看油画、版画、雕塑、民间玩具等，受到多方面的启发。再其次，你还需要追索一下历史，就是说，你既要看看当代的作品，留心南方画坛的新作，北国的艺术信息，以及兄弟民族美术、民间美术的情况；也不可忽略去故宫走走，目睹历代绘画杰作的原件。再则，若有机会，也可浏览外国画册，参观来华国外美术作品展览，从比较中把握美术的规律。此外，你最好对其它艺术有广泛的兴趣，对电影、电视、戏剧、音乐、文学、杂技、体育、武术等等多多留意。这样，你的知识面广了，审美经验多了，犹如吸收了多种维生素的营养，艺术审美机能必然会是比较发达的、敏锐的、深刻的，能够多渠道、多侧面、多层次地展开艺术欣赏，不仅获得顿悟，还能进行由此及彼，由表及里地艺术思维，比较品评以至联想，生发出新意，翱翔在广阔的艺术天地。 　　这里已经接触到艺术的能动作用。就是说，欣赏并不仅仅是被动地、静止地接受，应当说欣赏也是一种创造，如同艺术家在创作时一样，要有形象思维。作品只是引发欣赏者艺术想象的导体。正因为如此，艺术欣赏往往是仁者见仁智者见智。这不仅是着眼点、钟情点不尽相同之故，也由于人们素养、阅历、情绪、审美情趣的差异，而造成看到看不到，感兴趣不感兴趣的问题。同样，从千百年前的艺术作品中还不断会有比前人更多新的发现，也说明欣赏是人们的一种创造性精神活动。 　　谁都知道，文艺作品虽然有教育意义，但首先要给人以喜悦和美感。因此，艺术欣赏的基本特点是直观性的感受。你如果正襟危坐，一点一划也要追索哲理，形象妍媸，穷究好人坏人，那就不会有真正欣赏的愉快。艺术欣赏应当以积极的激情和兴趣，保持一种兴之所至，悠然自得的心态，去与作品神遇，顺乎自然地去感受、去体察。当然，不是说欣赏中没有理解，问题是一上来就冷冰冰地剖析，就不会有感情的交流，不会动心，不会有美感。艺术欣赏是有理智渗透的情感活动。在感受的基础上必然会有所品评，品评权衡而知其优劣，所以欣赏者既要虚心地观赏作品所表现的艺术美和思想内蕴，又可以站在凌空的高度加以鉴别。 　　德国作家歌德说过：“鉴赏力不能靠观赏中等作品而是要靠观赏最好的作品才能培养成的”。中国也有一句古话：“取法乎上”。要通过优秀作品的观摩学习、潜心体会，来提高我们的艺术欣赏能力、审美能力。 　　艺术欣赏，是美学、艺术理论研究的课题之一，是马克思主义美学的一个组成部分，还有许多问题有待学术探讨。这里只不过是一般地漫谈一些琐碎的意见而已。 　　中国画艺术中的神、情、意、趣　　神　　人们在观赏绘画作品时，往往着眼于画得像不像，迷恋于彩色照片的华丽细腻，跟真的一样。于是要求油画向照片看齐，当然也就难以理解和欣赏中国画。这大概和看惯了电影初接触话剧、特别是京剧时的格格不入相似吧。但是，人们审美观点的形成，是由许多方面的因素孕育的。作为民族文化一部分的审美意识，总是自觉不自觉地、程度不等地积淀在每个炎黄子孙的精神世界。经常出现的情况是随着年岁、阅历的增长，对于民族艺术的热爱醒悟和回归。在一些艺术家身上也可见这种现象。 　　中国画的排斥自然主义的逼真描绘，不仅不是它的缺点，反而是其艺术魅力之所在，是其立于世界艺坛独树一帜的特色。 　　关于欣赏和评价绘画的优劣问题，宋代苏轼一针见血地指出：“论画以形似，见与儿童邻”。就是说只注意于外形的像不像，是不足以论画的，论画要以追求神似为宗旨。神似论不仅是中国绘画艺术的优良传统，也是民族审美观的精华。理论当然是来自实践的，中国的绘画艺术以线造型，大胆概括提炼；讲究虚实相生，形成了一系列独特的艺术手法，比如舍弃背景，留有空白，单线勾勒，水墨写意等等，都使得艺术更加纯美精粹。 　　早在《淮南子》一书中就提出“君形”之说：“画西施之面，美而不可悦。规孟贲之目，大而不可畏，君形者亡焉”。意思是说，画佳人西施虽然很美，但不使人喜欢；画勇士孟贲虽然眼睛很大，并没有令人生畏的气势，原因在于没有神气。东晋大画家顾恺之明确提出传神的主张，经过谢赫总结的“六法论”“气韵生动”说，到宋、元以后引入山水画，有了进一步的开拓，以至到近代的“不似之似”“似与不似”之说，都是延续发展了“神似”论创作艺术思想的。也正是在这一思想影响下，“离披点划”“时见缺落”“笔虽不周而意周”的疏体，即现在所说的写意或意笔画，得到登峰造极的发展。 　　拿全国六届美展中获奖的几件作品来看：王盛烈的《家乡的孩子》，通过七个农村孩子传神的写照，那各具特色的情态、动作、服饰等等，可以使人推想出他们的性格、家境、生活，正是八十年代农村变革中天真烂漫的幸福童年，既鲜明又丰富，在艺术上是耐人寻味的。另如徐启雄的《决战之前》，以极简洁纯美的画面，传达出运动场上即将展开生龙活虎般拼搏的激战，有多少空间留给欣赏者的艺术想象去构造。赵建成的《铺路石》，且不说其寓意的设置，只说这样一个劳动场景，在中国画里的艺术表现，与其它画种大不相同，它决不追求如实的再现，而是如同诗人遣词押韵，高度提炼，大胆舍弃，以惜墨如金的笔墨，集中力量传神。 　　情　　在状物与传情的关系中，中国画崇尚的是主情说。艺术家是多情善感的，他是怀着“登山则情满于山，观海则意溢于海”的激情面对大自然的，所以“望秋云，神飞扬，临春风，思浩荡”，含情脉脉，乘兴挥毫。炽烈的情思，通过自如的笔墨，落在纸绢上，物化为艺术作品。所以，凡是好的艺术作品总是充满着诗情画意，洋溢着充沛的感情。 　　拿山水画来说，所描绘的对象是自然，但画中山水，绝不仅仅是自然山水的如实写照。外国风景画讲写生，中国画也讲写生，但不满足于直观之所见，而是“搜尽奇峰打草稿”，经过心灵的孕育升华，再创造第二自然。所以我们不拘泥于焦点透视，不受光暗阴影的干扰，像一个令行禁止的将军，可以随心所欲地调遣山川木石，重新组合。可以凌空俯视层峦叠嶂，也可以从一草一叶中品味出诗意，抒发感情。有一位离休老干部在遍览故宫绘画馆的古代佳作之后说：不见风雨之迹，可有淋漓润泽之感。他确实道出了中国画的妙处，堪称一得之见。 　　正因为作画不是机械地状物，而在于传情达意，所以不主张细描细画，有“谨毛失貌”之论。即使是工笔画，也是以写意的思路为主导，不是以把物象任何东西都细细画出来为能事。细可能得到某些观赏者的喝彩，但那只能是特技，而并非艺术。工笔画在构思制作中，同样遵循着概括、取舍的法则，不过呈现出来似乎以细腻见长。需要突出的，可以比目力所及的实物还精细还丰富，需要简洁时，则可一笔带过，或通过构图的“经营位置”，色彩的变调等等手法加以淡化。总之，好的工笔画并不是如实细细描画、诸事杂陈就算了事的；它同样讲究有张有弛、有虚有实、曲折迷离、柳暗花明的艺术性的。 　　中国画是很讲究气势的，根据描绘的对象，抒发感情，造成意蕴的不同，同一画家笔下会有不同风貌的作品。比如贾又福的《太行丰碑》以强烈的对比、浓重的墨色，造成一种英雄的浑厚感，笔墨也是十分严谨的。而他的另一件作品《惊梦》，却逸笔草草，墨色轻浅，写出农村雪后黎明的情味。我国古代，由于地域、艺术追求、师承等等的不同，曾经形成了群体性的画派，各呈异彩，为中国画艺术长廊增辉。当代的中国画坛，也已形成类似的丰富多彩的局面，在欣赏中是值得细细体味和研究的。 　　“情之所至，金石为开”，正是如此。画家情之所钟，动人的艺术品质自然流出，情景交融，意趣横生。比如徐悲鸿的《奔马，具有一种勇往直前的英雄气概。齐白石的《虾》，则跃动着蓬勃的生机。而潘天寿的《山花》，像山姑般纯朴而俊美。社会生活和大自然的大干世界，以艺术家的眼睛，会发现许多美好的东西，行诸笔墨，以其丰富的艺术美，美化生活，美化人们的心灵。 　　意　　唐代大诗人杜甫在《丹青引》中描写曹霸画马，曾有“意匠惨淡经营中”的句子。说明运思立意是作画的关键。讲究意境是中国绘画艺术思想的优良传统。所谓意境，是通过严密、巧妙的构思和独到的艺术表现，在画中形成一种境界，取得言有尽而意无穷的艺术效果，生发升华至诗的境界。画论中说“境界已熟，心手已应，方能纵横中度，左右逢源”。诗论中也讲“张之于意而思之于心，则得其真矣。”这真，既有真景物，又有真感情，情景交融，主客观结合，方能曲尽其妙。曹霸正是在面对健美的御马玉花骢的感应下，经过“惨淡经营”一酝酿构思设计等一系列形象思维的功夫之后，才画出“斯须九重真龙出，一洗万古凡马空”的杰作。就是说，艺术家没有“意”，是作不出“宛然如真”的艺术表现的。 　　如同园林之曲径通幽，“景露则境界小，景隐则境界大”，诗文讲究含蓄的道理，作画也最忌直露式的和盘托出，一览无余，没有嚼头，缺乏韵味。我国古代文艺理论中，很早就有“隐秀”之说。隐，就是追求“文外之重者”，就是在表面的一层意思以外，有丰富的曲折重复的意旨，可供玩味。而秀，则是以警策秀美的语言，将含而不露的意蕴暗示出来，做到“内明而外润，使玩之者无穷，味之者不厌”。譬如写离别，并不说自己的幽怨，却说“弃捐勿复道，努力加餐饭”，是一种委婉隐曲的情调。唐诗中刘长卿的《南溪常山道人隐居中，以溪花之自放，而悟禅理之无为，大致也是这种意思。一幅画，不仅是事物的单纯外在形象的描绘，而是要把作者感受到的美和富有感染力的情思，通过富有意境的画面传达给观众，使观赏者领略会心。意境是比直观给人更多更深的东西，古人说“诗中有画，画中有诗”，诗意能唤起人们的联想，余味无穷，越看越有意思，越有琢磨头。比如齐白石的《十里蛙声》，画面只有几个活泼的蝌蚪，却叫人联想到十里溪流和热闹的蛙鸣。欣赏画面艺术美的同时，可以引发出无尽的意趣。有位画家在空白背景的空纸上，生动地画了一计已然红黄变色，飘摇而下的树叶，真是以诗的简练和含蕴，抒写出一曲优美的《秋声赋》。“此时无声胜有声”，空白，含蓄，产生了更加强烈和丰富的艺术效果。这正是中国画艺术的特色。 　　正因为以意为之，呈现在画面上的景绝不同于实在的物景。郑板桥在一则题画中讲到“胸中之竹，并不是眼中之竹”、“手中之竹，又不是胸中之竹也”。这就是艺术的真实不同于生活的真实的道理。李可染在《漓江胜览一画的题款中写道：“余三游漓江，觉江山虽胜构图不易，兹以传统以大观小法写之。人在漓江边上终不能见此景也”。画出了漓江的神韵，却不可按图索骥。说明其中渗透着画家艺术想象、综合取舍、艺术加工。中国画家面对自然之景，很讲究“入画”与否的问题。就是要进行选择、过滤、孕育等等。所以中国画家既不排斥面对实景的写生，更重视孕育成熟后的忆写，灵感降临时从笔底自然流出。意境的获得和来源当然是生活，但不仅仅是生活，是画家感受中的生活。画家只有在亲领了生活的奥秘，才能有充沛的感情，有深入的体会，才能获得艺术上新的生机。“外师造化，中得心源”，对今天有志于艺术创新者，也是金科玉律。 　　趣　　唐代张彦远在《历代名画记》中讲道：“夫象物必在于形似，形似须全其骨气，骨气形似皆本于立意而归乎用笔，故工画者多善书。”这里道出了中国画艺术表现上的美学情趣是笔墨，而中国画的笔墨与书法艺术同源同法。 　　中国画是以线造形的，笔墨技巧不仅准确描绘对象就算完事，而是要能够表达情绪，还要有艺术的美感，由于与书法艺术相结合，还形成了具有独立美感的形式美。比如衣纹的描法，游丝描，行笔细劲；铁线描，凝重沉着；柳叶描(莼菜描)则雄浑圆厚。还有战笔、曲笔、泼墨法等等，具有不同的艺术效果，它是由于描绘对象、艺术家个性、爱好以及需要表现的效果等因素构成的。山水画中的种种皴法，也大致与此相同。书法中，属于方笔的线条，状如“折钗股”，令人感到一种雄俊美感。而状如“屋漏痕”的圆笔线形，给人一种丰厚美、浑穆美感。其次，如气势、骨肉、刚柔、张弛、巧拙、节奏感等等，都和笔墨有关系。所以在品评中国画作品中，笔墨功力是否纯熟老到是一个内容相当丰富的概念。 　　明清文人画，特重笔情墨趣的追求。尤其是写意花鸟，在淋漓奔放中，‘抒发胸中逸气，而笔墨技艺既凝炼简括，又变化微妙。。以青藤为例，他的题画梅中说：“从来不见梅花谱，信手拈来自有神，不信试看千万树，东风吹着便成春”。他是很有创新精神的画家，但功底深厚，所以能达到随心所欲不逾矩的地步。清朝的“扬州八怪”，均擅长花卉，继承发扬了文人画传统，正如有人议论郑板桥的绘画时，说他“笔情纵逸，随意挥洒，苍劲绝伦。”都是和笔墨情趣的高超联系在一起的。当代的中国画同样继承和发扬了笔墨艺术美感的创造。有了结实的西洋素描基础，当然有助于艺术家观察力、造型力的培养，但以西法在宣纸上作画，还不能完美地体现中国画艺术的魅力。尤其在花鸟画中，造型手法、笔墨情趣的要求甚高。一幅小品之作，在有限的笔墨中，一处犹豫、一点败笔，韵味尽丧!点画之间既有景亦有情，还需要体现高超的笔墨功力，也就是说点画之间，不容更易修改，而呈现出内涵美、技艺美、形式美；经得起“横挑鼻子竖挑眼”。这，才堪称之谓精品。 　　中国画还讲究天趣的追求、，即要出之天然，不可造作。唐代大书法家颜真卿曾向怀素求教书法问题，“素日：‘吾观夏云多奇峰，辄常师之，其痛快处如飞鸟出林，惊蛇入草；又遇折壁之路一一自然。’真卿日：‘何如屋漏痕?’素起握公手日：‘得之矣!’两个人都能神会出于自然的真趣。真正的美人，不必过于华丽的巧饰，即能见出其天生丽质，而过度的装扮，反而变为妖冶，不美了。记得陆俨少在《山水画刍议》中谈到，他作画从不起稿，我看许多画家作画也多如此。意在得偶然之趣，随机应变，一气呵成，出现意料之外的妙趣。当然这种临场偶得并不是孤立的，它是与勤学苦练，接触社会和自然，面壁构思分不开的。因此这偶然，是以必然为基础的。懂得这道理，我们在欣赏艺术时，便能逐步登堂入室，变为能领悟高山流水的知音。举一个例子来说，吴作人的水墨熊猫和金鱼．运用的正是惜墨如金的艺术方法，而且笔与笔之间的衔接、顿挫是书法的韵味，因此在简淡中有浓郁的情趣。可是有些人在摹仿之余，向自然的真实靠拢，呈现在画面上的是繁琐、甜俗，而自以为有了新的发展和创造，这岂不是本末倒置吗?所以欣赏，也就是说提高艺术鉴赏能力，实在是不可或缺的要务。要知道，只有眼高才能改变手低的局面，现在不是流行一句话：观念的更新带动事业的更新吗?

　　如何欣赏国画
　　对于一般人来说，能否欣赏一幅绘画作品常常是能否“看懂”，他们的欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？画家画这种形象的寓意是什么？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。这种方法就是一种传统的讲“故事”的方法，他们对于绘画作品的欣赏往往过多借助“文学性”的描述。那么，用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实，看得懂。

　　但如果是粗放的。写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅绘画作品的好坏，却不是以“像”或“不像”来衡量的。

　　就艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。

　　那么，画家们是怎样来看画的呢？就国画而言，内行人看画一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味其“神韵”，或者“神似”，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或“形似”。内行人的这种抓“神韵”的欣赏方法当然是抓住了实质，因为“神韵”就是一种高的艺术审美享受，常常是中国画家们的追求达到的目标。

　　当然，一般的人要从画中去体验到一种“神韵”却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的绘画方面的基本知识，特别是通过绘画而训练出来的一种“感觉”。所以要很好地欣赏绘画，还得具备多方面的才能和艺术修养。

　　但是，如果我们从以下几个方面去欣赏绘画作品也许更能理解一些。有人提出，艺术的欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去欣赏绘画作品是很有道理的。

　　审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知作品上画的是什么？画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受。第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。

　　我们可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么？是怎样表现的？所采用的艺术手段是否恰当？能否充分地表达出主题？同时，透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。

　　到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、主活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏绘画才获得了真正的意义。朋友们不妨用这种方法去欣赏中国画（或其他绘画），认真试一试，看能否有所收获。

看着舒服就是欣赏

对于中国画来说，笔者认为，写意应该是包括写意笔墨和写意精神的结合。写意：一是写，二是意。骨法用笔便是写，也就是说，写意画首先要有扎实的写字能力和绘画基本功，要有工致的造型能力和相当的写实基础，而不是随意地乱涂鸦。清代画家郑板桥，在一则《题画》中说：“徐文长画雪中竹子，纯以明代瘦笔破笔为主，绝不类竹，然后以淡墨、水勾染而出，枝间叶上，罔非积雪，竹之全体，在隐约间矣。今人画浓枝大叶略无破厥处，再加渲染，则雪与竹两不相入，成何画法？此亦小小匠心，尚不肯刻苦，安望其穷微索渺乎？问其故，则曰：‘吾辈写意，原不拘拘于此。’殊不知‘写意’二字，误多少事，欺人瞒自己，再不求进，皆坐此病。必极工而后能写意，非不工遂能写意也。”
　 郑板桥的意思是说，如果以“吾辈写意，原不拘拘于此”来为自己的瞎折腾找理由，那都是在掩耳盗铃，自欺欺人。
　　由此可见，欣赏“写意”画，首先就要看作品是否具有绘画的笔墨功力和具备一定的造型能力。这种写的能力亦可作为画法来看待，元代“泻胸中之丘壑，泼纸上之云山”的豪放“写意”法，已是文人画领域中的一种画法。齐白石老人擅长画身边的有趣小景，或小虫，或农产品，甚是讨人喜欢。然而，从作品中可以看到其功力深厚，基本功扎实，造型讲究，小动物栩栩如生，农产品鲜活可人，整体情趣达其意境、抒其胸臆，处处体现出写的功夫，让人看见生命的节奏。
　　写意的精神源头可以追溯到老庄，后来又加入了禅宗，但将写意落到实处的是书法，书法始终与中国画的写意精神相表里。此时意的表现，则要上升到“道”的层面来认识，写意画除了技法，需要精工细写，还要是表现画家的个人文化修养和知识积累，从而把个人的审美情趣和个性色彩需求融入到作品之中，并在画面上突现出来。
　　“写意”画虽然在文人画中也有逸笔草草不求形似的精神性代表，在欣赏“写意”画时，切忌与随意画、应酬画相混淆。有些人认为，工笔画所需时间长，见功夫；写意画简单，画法容易，这种观点是令人啼笑皆非的。也说明相当多的人对中国画缺乏基本的了解。殊不知，工笔画也有很写意的，而写意画也有很工整的，二者并无根本的区别。包括一些画得精致繁复的宫廷画或富丽堂皇的宗教画或稚拙土俗的民间画也都有写意之作，这主要是写意与中国哲理文化相联系的结果，是中国绘画美学的核心意象。明白这个道理之后，则写也好，画也好；粗也好，细也好；简也好，繁也好，对于写意画来说，在欣赏的过程中最主要的是关心作品所传递的精神是否具有“气韵生动”之快感。
归根结底，写意画不仅是自然精神与画家心境的合一，而且是在民族精神与哲理下所构成的中国画特有的审美艺术观，从形似到神似再到气韵，最后形成诗、书、画、印相融合的文人画体系。“写意”两字看似简易，却包含着艰深而丰富的学术内容，非一蹴而就的浅学，欣赏者同样也要具备 相应的艺术修养。从一定意义上说：欣赏写意画必需涵盖两个方面的内容：一个是“载道”精神，另一个是“畅神”精神。两者不可或缺。

怎样欣赏国画？~

初看国画，要欣赏的不是画面如此简单，还要看下面几项是否精美。
（1）画工
画家作品，可表现出作者成就。画面的形象，就是画工的具体，我们往往主观批判该画的好与坏，就是受画工的影响最大。
（2）书法
中国画与西方绘画不同之处，其中一项就是书法。国画画面上常伴有诗句，而诗句是画的灵魂，有时候一句题诗如画龙点睛，使画生色不少，而画中的书法，也影响画面至大。书法不精的画家，大多不敢题字，虽然仅具签署。也可窥其功底一二。
（3）印章
画面上常见印章有各方面使用：画家的印玺、题字者私章、闲章、收藏印章、欣赏印章、鉴证印章等。而各种印章的雕工、印文内容、印章位置，都在评介之列。尤其古画，往往有皇帝、名家、藏家及鉴赏家的印鉴，可佐真伪。
（4）装框
中国画装裱独具一格，常见有纸裱、绫裱两大类。纸裱较粗，绫裱较精。裱边的颜色、宽窄、衬边、接驳、裱工等都十分讲究。
（5）功力
从事书画修养越久的人，他表现出的功力，是初学者无法掌握。尤其是书法，老手多苍劲有力，雄浑生姿。国画方面，其线条、设计、意景也表现出作者功力。所以人生经验丰富的艺术家，其作品往往较年轻画家有不同表现，这就是功力。
（6）布局
布局看来似是画面的设计，其实是作者胸怀中的天地，从画面布局中表现出来。中国画与西方绘画不同地方甚多，最明显之处就是留白，国画传统上不加底色，于是留白甚多，而疏、密、聚、散称为留白的布局。在留白之处，有人以书法、诗词、印章等来补白。也有让其空白，故从布局可见作者独到之处。
（7）诗句
字画中的诗词，往往代表主人的心声。一句好诗能表现作者的内涵和学养，一句好诗，也能起到画龙点睛的作用。
（8）印文
无论字或画，常有压角的闲章出现。所谓闲章就是画面或书法留白的角落。而印上的文字，有时影响字画甚大。从印文中也可看到者作者心态，或当时的环境。好的印文，配以好的雕刻刀法，盖在字画上，使作品更添光彩。

“画”这个词是一个概念，一是意识的抽象理解，一是具体形象的理解，某种具体艺术可以创作、改造、或毁掉，如中国山水画、花鸟画、人物画等等；作为艺术这个抽象概念则不能改造、毁掉。艺术存在是永久的，它属文化层。老子说：“颓然吴名，充遍万物”，“无状之状，无物之象”，老子还说夷（无色），希（无声），微（无形）三者不可致诘，实又存在。具体的画是一种心技，“外师造化，中得心源”，“迁想妙得”。画家落笔则有，放笔则无，瞬间即成，瞬间即逝。从“画”这个角度看，成又非真成，逝又非真逝。它无完形，永远逝胎儿；它无定数，永远是一。又出于无，无存在有，画无画，于画者其所欲也，由画家自觉产生，自由把握。
画者其所欲也，心师造化二演万物，所谓“俯拾万物”，“从心所欲”，“万境由心造”。由心造，有一个物质的转化过程，还受理事的、时代环境的、文化层次的、人的个性的约束，物质与精神两者的促进。自古以来，中国画重临池、重游历、重学养、重继承。所以“行万里路，读万卷书”这种画外功的重要可以说成于斯，败于斯。
历史在变化，事物在变化，知识要变化，人的思想要变化，形式和内容都在变化重，今人与古人对照显然有区别。画没有固定不变的形象，画风无论时代、或一个具体的画家都有区别。这种变化结果，虽然可以设想，单不可以断言。是不以意志为转移的。中国画有始有终，生生不息。构成中国画的道，只要宇宙还存在它就同在，是不会消失的。
纵观美术史，远在张僧所画凹凸画、曹不兴画佛像到郎世宁时代，那时代不但情况产生了交流，而且有了一批知名的画家。艾启蒙以中西画法融合，受影响的有冷枚、唐岱、陈枚、罗福昱等。吴历晚年信奉耶稣教，有人说他的画参用西法，他反对如此说，他还有鄙视西画的意思。他说：“我之画不求形似，不落窠臼，谓之神逸；彼全以阴阳向背窠臼上用功夫——用笔亦不相同”。郎世宁虽然尽量吸收中国画写意，中国人不成人，外国人说背弃本源，使之进退维谷。那时中西画没有合二为一，那种画法现在也没有确立传统继承，这是一个历史记载的事实。
反思中国画历史，中国画事实存在确实又在不断变化，只不过千变万化都围绕着一根中轴线就是民族传统。魏晋南北朝时期，政治上不统一，各种学术思想相应显得活跃，绘画艺术由于佛教的促进，却成了一支生机勃勃的鲜花，产生了一批很有成就一直在历史、过程中大放光彩并受称道的画家，顾恺之就是其中最伟大、最具有代表形的划时代人物。他不但有不少山水画题材的作品，《画云台山记》这部构思文稿给后人留下了非常珍贵的启示。还有《洛神赋图》、《女史箴图》。包括敦煌壁画在内，正因为有很多山水创作，产生宗炳《画山水序》和《画叙》这类理论著作流传，提出了透视比例“竖划三寸，当千仞之高；横墨数尺，体万里之回”。“以一管之笔，拟太虚之体”。同时提出了“畅神”及“画之情”这类美学思想。这些对山水画独立成科起着鸣锣开道的作用。
隋是山水画走向完全成熟的过渡阶段。唐是我国历史上最强大昌盛的时代，绘画艺术空前繁荣兴旺。山水画的皱法有了发展，大小李父子的金碧山水为集大成者。吴道子、王维的水墨山水画法开创了一个新的发展方向。后期又有王洽的泼墨更发挥了水的性能。张操善用秃笔，创造新的渲染法，并提出影响深远的“师造化，中得心源”的学说，对中国画创作主客观关系作了辨证的依据。山水画标致成熟，独立成科。王维《山水诀》中的透视比例理论，体现中国画理论的完善。王维创画中有诗，诗中有画的艺术境界，给后来文人画开了先河。唐代在用笔、用墨、用色、用水、构成中国画精髓的这类技法齐全而成熟。“外师造化，中得心源”，“丈山尺树，寸马分人，远人无同，远树无枝，远山无石，隐隐如眉，远水无波，高与云齐”。这类既科学又实用的思想理论和技法理论对中国画发展道高峰的地位作了贡献。画中有诗，诗中有画的艺术境界为我国绘画确立了东方艺术的高大形象和崇高地位，唐以后千百年来，一直享受使用着丰富的宝贵遗产，凭借这些遗产奠定了深厚而坚实的基础，使花鸟画在宋代兴起并成熟起来。
五代由于政治上的分裂，影响中国画的部同风格，北方的荆浩以雄强之势影响深远，著有《笔法记》一书。提出“气、韵、思、景、笔、墨六要”，对“六法”有所发展，关？？是荆浩的继承人，以江南平淡水墨风格影响久远。巨然继承了董源的衣钵。他们一直影响到后来各各时代，以至发展成南北宗说。
郑振铎先生说，谈中国绘画史应以宋为中心，宋代中国画科目齐全，百花争妍，辉煌盛隆，空前绝后。宋徽宗开办画院，设立“画学”；是世界上第一所国家美术院校，院派思想，院派画风起了开端。
宋初的李成、关仝、范宽他们的画派统治画坛，中国画史评“三足鼎立，百代标程”。北宋中期，文人画家异军突起，提倡水墨写意画，与院体画对立。代表任务为苏轼、米芾。苏轼提出“论画以形似，见与儿童邻”。成为写神趣的意象画铭言影响到现在，这个观点和画法还对中国画的革新提供了革命的口号。苏、米两人的艺术思想又成为文人画的典范和指南。由于文人画和院体画的对立和忽布，南宋李唐，刘松年、马远、夏圭的画风形成，出现了梁楷的水墨大写意画。但苏、米没有研究和总结，只是提出了问题。《林泉高致集》、《山水纯全集》、这两部理论著作是由画院画家完成的。
元代文人画最重要人物是赵孟頫。他提出“书画同源”，并加以发挥，把书法的功力运用到绘画笔墨中，由此画家必能书，书家也能画的遗风流传书画界。有人还说，书从画中来，画理在书中。元代又是一个转折点，画风骤变，文人水墨画如雨后春笋生机勃勃。青绿重彩、工笔画界那时虽有绚丽机构之作，如精湛的永乐宫壁画，但以接近晚年。明代初，“浙派”曾在画坛一时活跃，后被吴门画家取代。董其昌因南北宗说引起画坛密锣紧鼓热闹了两百多年，虽有是非之争，也有一派认为他的成绩是主要的。陈淳、徐渭是划时代的人物，特别是徐渭影响既大又久远。郑板桥、齐白石也都钦佩他。从明到清，能书能画，宜书宜画，诗书画合壁；金石学大盛，诗、书、画、印章融为一体，中华民族这一伟大辉煌的艺术以其完备、宏大、精湛、文采、玄妙使世界其他画种莫及。
从历史看，发展到清乃是按文人画的道路继续往前走。虽说此时是按文人画的道路发展，但它是集大成的时代。那时社会内外关系发生变化，画家的生活、世界观、艺术观、技法、学术，给我们留下了既珍贵又现实是艺术瑰宝和经验的全面及丰富，流派分呈、艺术争妍。有数不清的大师如：“明四家”、“四王”、“四僧”、“八怪”、“金陵画派”、“黄山画派”、“扬州画派”，首创指墨画的高其佩等等大家，他们都是我们这个民族文化的奉献者、创造者、也有个人牺牲者，殉难者。
从历史看，中国画什么时候不再变化和发展？事物在不断变化和发展，运动，继往开来，然而新生事物中，又包含旧事物的许多因素。庄子说：“其分也，成也；其成也，毁也”。中国画的发展，传统总是起积极的作用。没有传统的东西，就没研究的根据，没有根据怎么说发展。在发展中优秀的、精华得到继承，另一部分被淘汰掉。“其成也， 毁也”。变有自然规律，规律在变化过程中，人们可以认识和运用。但是，中国画变成今天的大泼墨、大泼彩，王维、李氏父子、梁楷、徐渭他们提供了依据。这是不以人们的意志为转移的，是具体的。——“其分也，成也”。画作为实践，有形有象；作为概念，无形无象。有形无形，无形有形，在运动过程中转化，画家可以自由把握，“妙造自然”。运动结果，不期然而然，产生于无形，不以画家的意志为转移。“心中之竹不是手上之竹，手上之竹不是纸上之竹，纸上之竹不是心中原有之竹”。
中国画发展到今天，有如此抽象的形象，毫无拘束的泼墨、泼彩画法，纵情疏狂的意趣等。再说精神和物质自古就属个人所有，今天才真正成为社会的文化，人类的文明。古人或者前人，有哪一个预料到了呢？现在人有的在摹汉砖图纹，有的在摹敦煌壁画，有的在摹民间艺术，有的在摹儿童画，都在不同的作历史的反思。也有人大叫“反传统”，“穷途末路”，“合二为一”，中国画向西画靠拢才有前途。也有大叫“反传统”的人在偷偷地偷袭传统。中国画有如其他传统文化那样，在一定时间遭到否定，一定时间又得到重新估价；在一定时间被埋没、毁掉，另一时间又重新得到复兴。西画也如此，印象派曾受到学院派强烈的攻击，印象派曾激进地打着反传统的旗帜，它后来又成为传统。印象派画家之一德加说：“对自然的研究是没有意义的，因为绘画是一种传统艺术，去学会跟着荷尔拜因那样来画就更有意义得多”。野兽派、表现派、立体派、未来派、达达派、超现实派曾受到塞尚、高更、凡高、修拉的影响，吸收他们的经验。中国文人大写意画，对宋代院体画来说是个反动，传统文人画现在又成为某一部分人革命的对象，这都是自然而然的。老子说：“道，可道也，非常道。名，可名，非常名”。“道生一，一生二，二生三，三生万物”。事物总是对立，互补，统一，矛盾向前发展。高更说：“画家在他的画架前面，既不是过去时代的奴隶，也不是现在的奴隶；既不是自然的奴隶，也不是他的邻居的奴隶。他是他自己，始终是他自己，永远是他自己。”（《印象派画史》）
宗白华说：“中国画法不全是具体物象的刻画，而倾向抽象的笔墨表达人格心情与意境。中国画是一种建筑的行线美，音乐的节奏美，舞蹈的姿态美。其要素不在机械地写实，如花鸟画写生的精妙，为世界第一。”中国画不是西画先找好了题材，再找模特儿照着画，总有一个对象的束缚，天地的限制，虽然也有形神兼备，但“意”就不够了。中国画是画家在生活体验中体味万物的形象，“深入生命节奏的核心”，以自由谐和的形式，表达出画家最深的意趣。石涛认为他的画不象古人也不象今人。“我思我画，自有我在。”说中国画千人一面，没有变化，须要横向联系，学习西画，也许是学而不深，言而不精吧。中国画家是用“澄怀观道”的宇宙观来认识世界，体察万物，写胸中逸气，求得一种心灵的解放。西画的境界与中国画的抽象笔墨具象结构是不同的。就是印象派也是非常准确地目睹描摹对象。凡高、马蒂斯在他们的画里重视线的作用，他们说：“我的灵感常来自东方的艺术”，他们还说：“我的风格是手塞尚和东方影响而形成的”。“东方的线画，显示出一种广阔的空间，而且是一个真实存在的空间，它帮助我走出写生画范围之外”。（《印象派画史》）。马蒂斯、毕加索自己说是受了中国画的影响而改变的。“纵观环宇，第一，唯中国人有艺术；次为日本，而其艺术亦源于中国；再为非洲黑人。”（毕加索晚期创作展览序言）他们对线的运用始终不及中国画的线流动变化，多姿多态，藏有意蕴，意义丰富，中国画的线不仅是表现形体，更表现精神，表现生命的运动，它的内容有广阔的时空哲理，中西画家各有宇宙观，确立了两个独立的系统。对这两个系统无论近代的和现代的前辈都曾经提出“合二为一”的设想，也算革命的口号吧。他们不仅高喊口号，还从事革命实践苦心经营，又一个有意思的事实是，至今都没有成功地确立一个传统作为可供学习的典范而未见生机勃勃的遗传开来。
任伯年开始是学西画的。法国著名画家达仰称赞任伯年的作品“多么活的天机，在这些水彩画里，多没微妙的和谐，在这些如此密致的色彩中”。老一辈月份派画家杭稚英、金梅生等人曾学水彩画，张聿光是推广水彩画最积极最活跃的人。吕凤子、陈秋草、潘思同、方云鸪、李叔同、张大千都是由西画开始，终年以中国画获得声誉受到人们的怀念的。

特点篇：相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢？则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。但它非常讲究画面的整体、概括。有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。

中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。

从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。

中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。

在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。

中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，耐风吹日晒，经久不变。敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。

以上谈的中国画的特点，主要是指传统的中国画而言。但这些特点，随着时代的前进。艺术内容和形式也随之更新，并不断地发生变化。特别是“五四”之后，西洋画大量涌入，中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了中国画的表现力。但是，不管变化如何，中国画传统的民族的基本特征不能丢掉，中国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为中国画在世界美术领域中自成独特的体系，它在世界美术万花齐放，千壑争流的艺术花园中独放异彩。中国画是我们民族高度智慧、卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富。

什么叫做国画?
答：国画一词起源于汉代，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。国画是中国的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分具象和写意。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相...

第一章 什么是中国画的艺术美
答：（一）中国画的形象美 生活中的美总是以生动具体的形式表现出来的，它能够为人的感官所接受，具有一定的观赏价值。人们在欣赏美的同时，获得身心的愉悦。中国画作为一种美的载体，它同样具有这种功能。通过特殊的工具来抒发人的感情，使欣赏者产生共鸣，完成美的传递。无论是宋人花鸟的微妙精致，还是元人...

艺术家查寿兴水彩画作品欣赏
答：查寿兴，1938年出生于中国无锡市，中国美术家协会会员、上海市美术家协会会员、上海水彩画研究会会员、上海黄浦画院画师、上海艺术进修学院教授、上海美育学会常务理事。 从事美术教育工作及水彩画创作50余年，水彩画作品题材广泛，个性鲜明，吸收了英国水彩画、法国印象派绘画及中国画的技法，具有扎实的写实基础...

急需,中国画与西洋画的区别!!!
答：中国画的种类及其主要特征,是鉴赏中国画首先需要了解的基本知识。中国画的门类很多,其区别方法也不相同。如果以题材内容来分,有人物、山水、花鸟三大类;若以表现方法来区别,可分为工笔、写意、兼工带写。写意又可分为大写意和小写意。按照绘画的社会功能和使用形式的不同,中国画可以分别列入壁画、年画、宣传画、...

《富春山居图》被誉为“画中之兰亭”,该幅画到底有何厉害之处?
答：书画同源的说法。山水画多见纯黑白者，墨分五色，仅用黑白也可描画出江山的钟灵毓秀，当然也有浓墨重彩的类型，但总体相对于西方的油画而言，整体还是更偏素淡和枯寒，更融合了文人画家的个人情怀和政治隐喻，因此少了一些斑斓的感官刺激，却也如品茶一般，有难得的回甘之余味，须得心静者方能欣赏。

国画的收藏价值
答：在审美理念上,多多少少融入了一些西方的理念,比如造型的体积感、质感;虚实空间;色彩的运用;光影;透视等等,无形之中都带入了中国画鉴赏中。因而,不能完全以传统的审美标准来品鉴中国画,应具有多方面的现代的审美意识及其心胸,才能很好地把握中国画品鉴的尺度。 (三)、审美观不同,对作品的品鉴亦不同 各人的审美...

中国画的主要特征是什么?
答：六、诗书画印纸笔- -中国画的独特形式 可以说只有中国画,才有题字盖印的做法,不仅文人画,可以显示其诗、书、画三绝之长,即是一般的画作,也总要题字盖印,这样才有传统艺术的浓厚风味。 题字和诗句,可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解,也丰富了构附的变化,起到互相衬映,互为显彰,点缀与平衡构图的多方面作用...

急求:中国现代水墨画风格特点是什么?不要古代的,就是现代的风格特点...
答：陈传席指出:“山水画创作不仅需要传统功力,需要师法自然,还需要美的冲动,有了美的冲动,才是激起强烈的创造欲,美的冲动来源于对山水美的观照,在山水美的观照中,发现山水自身的艺术性,把握山水的物质和精神,然后,在美的欣赏得到满足后,便‘欲夺其造化’,而进行创作。”面对丰富的大自然景象,如何营造Ⅲ一个有变化,有...

中国画和中国书法,哪个更能代表中国传统文化
答：中国画发展历史悠久,内容丰富,博大精深,对中国的绘画发展产生重大影响,当你学习中国画的时候,你好像有一种身临其境之感,学习中国画可以净化人的心灵,在喧嚣的世界里,有时为了远离残酷的竞争和摆脱无穷无尽的压力,我们急需一种慰藉心灵的灵药,就我而言,欣赏中国画是一种很有效的方式。 中国画是画在绢,帛,宣纸上...

中国画的由来,及古代中国画叫什么名字?
答：国画一词起源于汉代，汉朝人认为中国是居天地之中者，所以称为中国，将中国的绘画称为“中国画”，简称“国画”。主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。国画是中国的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、...